IL METODO MASCIALINO ALLA BASE DEL 'MANIFESTO DELLA CRITICA CINEMATOGRAFICA' di Rita Mascialino

METODO MASCIALINO relativo alla Critica Cinematografica, Letteraria e Artistica in  generale, espresso in 14 Articoli che ne espongono i motivi fondamentali in sintonia con i principi dell'Umanesimo Italiano relativamente al significato oggettivo delle opere letterarie e filosofiche - non laTeoria espressa in altri studi.

Dall'Introduzione del Presidente del CLSD Mirco Manuguerra al 'Manifesto' di Rita Mascialino:

"Il metodo di analisi elaborato da Rita Mascialino (si veda il n. 167 di LD: «Per una teoria esegetica non arbitraria dell’arte: il ‘Metodo spaziale’») si propone quale strumento aureo per evitare critiche strumentali o pericolose distorsioni rispetto all’impianto strutturale di un’opera d’arte. Il CLSD lo ha oggi sposato con decisione ed ha proposto al nostro critico di redigere un Manifesto per gli scopi di questa stessa rubrica: il Manifesto della Critica Cinematografica è tuttavia applicabile ad ogni tipo di arte (...) Il CLSD, in stretta collaborazione con la Curatrice, sta proponendo un sorta di Canone cinematografico della cultura occidentale (...) Il metodo di analisi di Mascialino, infatti, non impedisce al lettore di farsi una propria personale opinione delle opere analizzate: solo impone che le risultanze del critico tengano strettamente conto delle determinazioni oggettive fatte emergere dal Metodo. Ciò significa che al di fuori del range stabilito dall’Analisi, l’opinione sull’opera d’arte deve essere considerata metodologicamente del tutto scorretta, poiché sviluppata sulla pura fantasia del critico e non sugli elementi certi costruiti dall’Autore. Il Metodo Mascialino si offre, quindi, come strumento aureo per evitare (o smascherare, qualora non evidenti) ogni possibile strumentalizzazione delle opere d’arte o le pericolose distorsioni che possono essere portate dall’esegesi rispetto all’impianto strutturale dell’opera d’arte."

 Rita Mascialino, Marino Salvador e il doppio Leitmotiv del buco nero

Marino Salvador (Udine) è artista poliedrico non solo per le numerose tecniche che ha sperimentato e sempre sperimenta perfezionando varie modalità di espressione onde adattarle ad esprimere il più fedelmente possibile quanto la sua mente gli suggerisce esteticamente così manifestando il messaggio insito nella sua creatività artistica – allo scopo costruisce da sé anche diversi suoi strumenti tecnici. Marino Salvador è artista poliedrico anche e soprattutto per i suoi importanti Leitmotive e le numerose variazioni sui temi fondamentali ad essi connesse, ad esempio accanto al tema specificamente culturale della rivisitazione e attualizzazione della pop art, quello relativo a una visione della vita percepita in fini dettagli, come è il Leitmotiv di fondo che sta alla base della sua Weltanschauung che si esprime nel frastagliamento di mille forme geometriche  che si intersecano e si sovrappongono creando mondi che sono una festa della vita  nei più accesi colori.

Strettamente collegato a tale centro propulsore dell’arte di Salvador  e ad esso sta un ulteriore rilevante Leitmotiv individuabile nella speciale immagine del cosmico buco nero come voragine da cui esplodono e in cui rientrano le forme e i colori, la vita, l’arte, l’universo intero, come raffigurato specificamente e tra l’altro nella tela Nuclear Fireworks, Fuochi d’artificio nucleari (Mascialino 2020) e come esplicitamente anche nella presente tela Black Hole, Buco Nero, di cui segue l’analisi semantica ed estetica.

Ci occupiamo del significato dei simboli più rilevanti, estratto attraverso un’attenta analisi oggettiva di quanto sta nel testo dell’opera.

A sinistra dell’immagine sta una matita nella forma di un grande razzo capovolto, non in partenza, ma in arrivo, ombreggiato di giallo, cromia consueta, di uso comune per la luce del sole, come avesse appena disegnato il triangolo giallo comprensivo di angoli e curve, di resistenza e di flessibilità, espresso con una metafora forse un po’ azzardata: di maschile e femminile insieme in bella collaborazione, dove il maschile pare racchiudere il femminile proteggendolo – anche forse  chiudendolo in sé, si potrebbe pensare, ciò che non risulterebbe propriamente esatto vista la bella convivenza delle diverse forme angolate e sinuose. Dalla luce dunque uscita dalla black hole si è strutturato un razzo come matita, strumento di scrittura e per eccellenza artistico in quanto ha disegnato forme quali strumenti per il disegno, ma anche godibili in sé come forme estetiche. Il fatto che si tratti di un razzo capovolto che proviene dalla voragine nera implica anche il collegamento con l’Universo – il razzo per definizione viene lanciato appunto nel cosmo, in una metafora per l’arte che la pone come linguaggio dell’Universo stesso.  

A conferma dell’interpretazione testé esposta, a destra dell’immagine, tra le ulteriori presenze di mondi e di forme, spicca una stella di luce di colore giallo come l’ombreggiatura del razzo-matita.

Il buco nero o metafora dei percorsi inconsci del cervello è un Leitmotiv onnipresente nella mente umana, quindi nella semiotica e semantica umana da tempi remoti: il Leitmotiv della vita ossimoricamente rappresentato dal grande spavento della morte, tema che emerge con grande evidenza nell’artista che lo esorcizza catarticamente ammantandolo di bellezza, di estetica, con ciò conciliando l’uomo con il suo destino (Mascialino 2000 e segg).

Molto interessante è la dinamica spaziale tra il buco nero e i colori attorno ad esso. Alcune forme sono chiaramente in uscita, ossia per la vita, altre sembrano in ingresso o, più esattamente, in ritorno dentro il buio, dove vanno a sparire dopo il gioco meraviglioso con i colori concessi per un tempo limitato, un rientro sommesso, una caduta obbligata che si riferisce in questo caso non alla fine dei tempi in un rientro definitivo della vita nella non vita, ma alla fine di ogni tempo umano, alla fine dei giochi con la bellezza della vita. E davvero stupenda è la fantasmagoria di forme colorate che si affastellano attorno all’oscurità, in una opposizione estetica di grande eleganza, un’eleganza che rende bello il pur non lietissimo Leitmotiv intrinseco all’esistere.

Così in questa stupenda quanto profonda opera di Marino Salvador, Black Hole.

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                                                                                                       Rita Mascialino

 

Rita Mascialino,  Le “Artistiche Trasfigurazioni”di Marino Salvador.

La Mostra personale Artistiche Trasfigurazioni del pittore e fotografo d’arte friulano Marino Salvador (Udine UD 1958), presso la Galleria PhotolifeArt, Udine, di Gianni Strizzolo, dal 4 al 20 marzo 2021, consta di quattordici opere create in diversi momenti, motivo per cui i titoli sono sia in inglese sia in italiano – i nomi delle città stanno nella lingua relativa all’appartenenza nazionale. Le dimensioni dei quadri variano a partire da 30x30 cm fino a 50x50, la tecnica pittorica è acrilico su tela.

Punto di sintonia delle opere esposte è una convergenza di surrealismo, cubismo e anche di astrattismo, stili sganciati dalla tradizionale referenzialità figurativa e programmaticamente finalizzati ad esprimere l’inconscio dell’artista con le sue semanticamente complesse simbologie, comunque mantenendo in Salvador un più o meno agevolmente identificabile ancoraggio realistico ai soggetti pur trasfigurati nell’ambito dell’immaginazione artistica.   

  

Emblema di questa Mostra può essere considerata la tela Horse, animale già presente tra i soggetti cari a Salvador.  Si tratta  di un cavallo appunto trasfigurato nella fantasia. Appare importante lo sfondo su cui si staglia tale animale, nel quale si distinguono due cromie principali in varie tonalità: alla base i toni del verde, per il resto i toni degli azzurri e dei rosacei, anche di un paio di presenze di bianco in un simbolismo piuttosto evidente per il suolo terrestre e per il cielo. Non sono presenti segni di zampe che calpestino il verde, mentre  si identificano segni che stanno per arti inferiori sollevati in una corsa non terrestre, bensì aerea. Un cavallo che evoca pertanto un ippogrifo e con due possibili strutture alate stilizzate e luminose, in continuazione della criniera bicolore, rossa e gialla come incandescenza e luce della creatività di cui è portatore in primis il cavallo. A proposito della criniera, essa rimanda, vista nella sua inusuale lunghezza, alla spazialità della cresta dorsale di un simbolico drago uscito dai miti più antichi, così che si ha un animale che racchiude in sé la presenza di un’appartenenza a un doppio mondo di saghe e leggende: come cavallo alato è metafora per l’intuizione e per la spiritualità – vola alto –, come drago pure alato è protettore dei tesori nascosti nel sottosuolo, ciò in un’unione di spirito e profondo inconscio. In altri termini: nella tela di Marino Salvador il collegamento più visibile con il simbolo del profondo è accennato nella citata cresta che prolunga la criniera nel dorso di un drago, mentre l’impronta spirituale di tale creatività è più visibile nel volo del cavallo multicolore –, il tutto in un’immagine che grazie alla gamma cromatica accattivante appare lieta e bene augurante. Per chiarire attraverso una comparazione contrastiva, citiamo un altro cavallo della fantasia questa volta letteraria, il cavallo nero di Kafka (Mascialino 1996 e segg.). Esso prende vita sorgendo dal sottosuolo come molto inquietante animale simboleggiante la potenza della creatività alla sua emersione dal profondo. Nella tela di Salvador la creatività è espressa invece in un’immagine di natura aerea, non affatto cupa, come mostrano i colori di cui è fatto – o  ricoperto – il mantello del cavallo, colori della vita in un messaggio di bellezza, un cavallo in sollevamento nel cielo, in sublimazione spirituale dell’inconscio più profondo di cui vi è solo il citato cenno indiretto, per così dire mimetizzato. Interessante è la semantica del reticolo nello sfondo – lasciando stare qui la comparazione con Mondrian che ci porterebbe troppo lontano – anche da un altro punto di vista semantico. Il misterioso e più creativo cavallo artistico non cavalca in basso sul suolo terrestre, cavalca o vola in alto nel cielo: supera il livello della vita concreta e quotidiana, in cui non viaggia non essendo un cavallo della realtà materiale,  si alza dunque nel cielo con la sua simbologia estetica, ma non abbandona la sfera comunque dell’umano, non vuole andare oltre, appunto resta al di qua del reticolo che lo separa, come anticipato, dal basso, ma anche da un alto che aneli a superare il mondo dell’umano. Per chiarire con un’ulteriore associazione contrastiva ancora con il citato cavallo nero (Mascialino 1996 e segg.): l’uomo e l’artista Kafka si fondono pienamente nel racconto con le forze più potenti della natura, ciò in una consapevolezza di sé, del proprio valore, la quale trova il suo limite solo nel fatto che la metamorfosi in tale cavallo creativo si svolge e si realizza sul piano del periodo ipotetico che informa tutto il racconto in questione.

Passando oltre, un soggetto plurirappresentato nell’esposizione è la donna. Considerando le tele riguardanti la presenza femminile, si osserva una enfatizzazione di ciò che essa rappresenta per la vita in generale – e per quella dell’uomo in particolare come si evince, ad esempio e tra l’altro, dall’uso del termine popolare Pussy che dà il titolo e il contenuto a una tela, dall’immagine in Summer in Love. Venendo a tele di una più ampia simbologia, Il sole (titolo in italiano nella Mostra) ha  come corpo e centro il contrassegno erotico e generativo della donna che irradia la sua luce ovunque sul mondo, nel cielo più azzurro e più sereno. Diversamente, la tela Black Sun raffigura un sole fornito di simboli fallici, nero con la circonferenza esterna  nei tre colori primari e irradiante luce nera sullo sfondo delle citate cromie, un simbolo eccellente per la creatività artistica per come essa sorge dall’inconscio – e per come è  uno dei grandi temi conduttori nella visione del mondo dell’artista Marino Salvador –, un sole decisamente maschile. Se nelle tele di questa Mostra la donna genera vita in letizia quasi identificandosi con il suo sesso, l’uomo genera arte simboleggiata nella presenza dei colori primari, un’arte intellettuale, simboleggiata nelle figure geometriche ad angoli con decorazioni analitiche che creano ulteriori forme angolate. Non un kafkiano cavallo nero dunque, ma comunque un sole nero, il sole dell’arte più potente in un’immagine che dà alla creatività il colore delle sue origini dal profondo, tuttavia sempre trasfigurate nello spirituale più aereo. La Friulana, donna dalla particolare sagoma simbolo di fecondità, si compone dei colori presenti nella bandiera del Friuli, azzurro, dorato e rosso, sullo sfondo i colori dello stemma di Udine, bianco e nero, che vanno a comporre anche la figura stessa qui e là. Al suo centro un cuore rappresentato, al di là di possibili altre simbologie, in uno dei colori, l’azzurro, presente nella bandiera friulana, e in uno dei colori, il bianco, presente nello stemma udinese, in un doppio omaggio della Friulana quale madre di tutto il Friuli.

Un altro soggetto trasfigurato nelle  tele si riferisce a città italiane ed estere rappresentate nei loro più noti contrassegni. Nell’ambito emergono due tele collegate reciprocamente nella loro drammaticità: L’Aquila e New York. La scomposizione spaziale nella simbologia relativa all’Aquila vede su uno sfondo nero, portatore – nel contesto della tela – del cupo messaggio del nulla, alcune strutture realizzate secondo uno stile geometricamente angolato le quali stanno cadendo quasi siano giocattoli per  costruzioni. Sono le case degli umani, le loro tane per così dire che non reggono di fronte alla potenza della natura terrestre che le può distruggere in un solo momento. Un po’ come se il terremoto avesse una personificazione e giocasse a piacimento con le opere dell’uomo, facendole precipitare, a dimostrazione di quali immense forze abbiano padronanza sulla vita. Ma non è una visione tragicamente senza sbocco. Le case abbattute, pur portanti in sé i contorni neri dello sfondo, non si infrangono sul baratro oscuro che sta loro alle spalle, bensì cadono sui colori della vita  i quali continuano dunque a esistere e con essi la vita che come tale, come è nel messaggio di Salvador, non è cancellata dalle catastrofi naturali: scompaiono case e individui, ma appunto la vita con i suoi colori continuerà a fiorire almeno per molto tempo – e il citato nero nello sfondo, pur presente, aspetterà prima di ingoiare ogni colore. Più sinistra è la drammatizzazione rappresentata nella tela relativa a New York. Si tratta anche qui di distruzione per i noti eventi riguardanti le Torri Gemelle come sono effigiate in un simbolismo che ha agganci con il reale concreto dei grattacieli della città. Ciò che rende particolarmente sinistra la raffigurazione è il riferimento strutturale alla torre che sta crollando e che si confonde con la sagoma di un incappucciato dal volto osseo e irridente, il volto stilizzato della morte il cui cappuccio evoca in una condensazione simbolica di intensa efficacia semantico-emozionale la spazialità della falce. Tuttavia anche qui il nero del nulla che sta alle spalle dei grattacieli è separato dalla città: il grosso reticolo di luce salvaguarda il mondo umano come speranza di continuazione della vita.

Un messaggio positivo in ogni caso in queste interessanti Artistiche Trasfigurazioni di Marino Salvador.

                                                                                         Rita Mascialino

 

  

 

Rita Mascialino, "Liriche di Alex Cittadella: 'Generazioni' ”

Alex Cittadella (Palmanova 1980) è dottore di ricerca in Storia e cultore in Storia moderna presso il Dipartimento di studi umanistici e del patrimonio culturale dell’Università di Udine. È docente di materie letterarie negli Istituti di Secondo Grado di Udine. È divulgatore scientifico, in particolare nell’ambito della storia della scienza e dei saperi meteorologici e climatici. Ha al suo attivo diverse pubblicazioni scientifiche quali saggi nelle discipline citate e monografie. È poeta.

La silloge poetica Generazioni (Pasian di Prato UD: Campanotto Editore: Prefazione di Caterina Licata: 2019) di Alex Cittadella sorge da una prospettiva di verità aperta dal poeta su se stesso, la quale si fa visione schiusa sul mondo interiore dell’uomo universale. La raccolta tratta i grandi temi propri della lirica, tra gli altri: il senso della vita e della morte, l’amore, la qualità della natura umana in bilico tra le due forme – informi – dell’Assoluto e dell’Abisso.

Assoluto inteso non solo come nulla riferito alla disgregazione della struttura psicofisica che attende l’uomo, ma anche e soprattutto come metafora dell’alto, cui l’uomo di Cittadella tende, deve tendere per essere degno della sua umanità. Questa tensione si verifica senza scivolamenti in superomismi di sorta, ossia sempre permanendo nell’alveo dei più umani sentimenti. Se il Superuomo nietzschiano vuole superare i limiti della sua umanità più fine rischiando di sfociare o sfociando nella disumanità così dimenticando una più umana essenza, l’uomo di Cittadella, pur volendo anch’egli ottenere il massimo da sé, non oltrepassa la sua sensibilità e ipersensibilità, che è la sua forza e nel contempo limite invalicabile dell’umano. Entro tale ottica il Prometeo di Cittadella vuole essere uomo straordinario, capace sì di sognare e di realizzare quanto il fuoco inconscio della sua creatività di artefice della propria vita consegna alla sua consapevolezza, ma scevro tuttavia della più superba affermazione di sé come nel Prometeo ritratto nel poderoso Inno goethiano – l’uomo di Cittadella, il poeta in particolare, sa, come dall’immagine di biblica memoria, di essere nato dal fango e non si contrappone con tracotanza agli dei, più semplicemente li ignora.

Abisso inteso non solo come baratro oscuro e senza fine in cui scomparire per sempre come in un buco nero che attrae la vita dentro di sé come una spaventosa calamita e da cui non affiorare mai più, ma anche e soprattutto come metafora dell’audace esplorazione delle profondità più insondate in cui si genera l’animo umano.

Il poeta Alex Cittadella vuole entrare in contatto con il mistero della vita più direttamente per mezzo dell’intuizione estetica, non solo con la riflessione razionale, ma oltre essa, ossia vuole attingere possibili verità al loro livello nascente, più originario e creativo, appunto intuitivo che si rivela mezzo di conoscenza non ancora sfrondato dalla schematizzazione del pensiero scientifico, per certi aspetti quindi più profondo. Questa audace meta non è inficiata da alcun pregiudizio di superiorità, bensì è sempre accompagnata dalla consapevolezza del limite umano segnato dall’umiltà che spesso assume qualche accento crepuscolare di eco corazziniana. La fragilità umana, l’insicurezza di poter raggiungere la desiderata comprensione, di poter uscire dalla situazione di solitudine e di inadeguatezza rispetto all’ardua finalità di conoscere se stesso al di là della superficie convenzionale, dell’ovvietà della norma, trovano un riparo nel sentimento d’amore dell’altro e per l’altro, nella donna che appare di per sé invincibile in quanto partecipe naturalmente degli arcani della vita e che riflette sull’uomo, qualora questo stia in una relazione senza remore con essa, con il suo vissuto, con i suoi ricordi, ciò in uno scambio di esperienze esistenziali che risulti vivificatore per entrambi pur nella tregua concessa dai sentimenti più dolci.  L’uomo di Cittadella tuttavia non può cessare dal ricercare la verità della vita e per questo è e resta un funambulo pericolosamente sospeso tra assoluto e abisso di memoria kierkegaardiana, oscillante sul vuoto con l’angoscia di essere ingoiato da queste due potenti manifestazioni del nulla tra i cui poli sta esposto in posizione incerta, a rischio di soggiacere alle raffiche che lo fanno traballare su una sottile e scomoda corda su cui deve reggersi. Un po’, per quanto diversamente negli esiti, come il trapezista kafkiano che altro non può che vivere la sua esistenza confinato quale acrobata su un trapezio cui ne vuole appaiare un altro di fronte a sé – su cui non sta nessuno – come due possibili poli sul vuoto sottostante, quello su cui sta lui e quello per un eventuale altro che non c’è, in perfetta solitudine e vuoto umano – non esente da qualche ombra di solipsismo seppure sapientemente mimetizzato da Kafka per così dire kafkianamente. Un uomo, tornando a Cittadella, costretto a stare in equilibrio sul baratro, attento a non cadere, in una metaforica spazialità, in basso nell’Abisso e neppure a volare in alto nell’Assoluto perdendo così la misura più umana della vita e la vita stessa nelle citate due facce del nulla, dalla quale condizione solo la fede può o potrebbe, salvarlo, fede dunque, non certezza, fede che pare permanere sul medesimo livello in cui potrebbe stare un’illusione. Diversamente dall’incertezza della fede, il pur esile filo fornito dai sogni si rivela non illusorio e al contrario capace di sorreggere l’uomo nel suo periglioso ondeggiamento tra l’assoluto e l’abisso, sogni che in quanto tali, come testé accennato, potrebbero apparire per qualche aspetto simili alle illusioni, ma che non coincidono con esse, né costituiscono una fuga dal reale, bensì sono una realtà essi stessi, la più tenace e resistente, nonché valido motivo di vita.

Personaggi quasi onnipresenti nelle liriche di Cittadella sono appunto la notte e il sogno che compaiono spesso dando alla creazione poetica la sua veste propria: quella oscura del più creativo inconscio, quella dell’immaginazione più audace – ad occhi chiusi e aperti –, libera e scevra dall’obbligo del riscontro con il reale, un’immaginazione con cui il poeta tesse i suoi mondi psichici, non illusori per quanto intangibili, esprimenti la verità più profonda dell’umana identità. La rilevante presenza del sogno associa uno dei più grandi e forse a ragione il più grande poeta romantico tedesco, Federico Hölderlin, di cui vi sono frequenti echi: O! ein Gott ist der Mensch, wenn er träumt, ein Bettler, wenn er nachdenkt, come nel romanzo epistolare Hyperion, Iperione, O! un Dio è l’uomo quando sogna, un mendicante quando riflette, così che l’uomo fuori da questo spazio metaforicamente divino steso tra i poli della Begeisterung hölderliniana e della Ernüchterung, dell’esaltazione e dell’insobriamento, si trova spaesato, perduto. Anche in Cittadella i sogni, pur su un piano meno estremo e più umano, sono assoluti e veri, capaci di superare il tempo e gli spazi, capaci di andare ovunque senza l’impedimento della materia, capaci di corrispondere alla più vera e più nobile natura dell’uomo poeta, che si fa o anela a farsi profeta dell’umanità – anche qui in sintonia con Hölderlin per il quale Was bleibet aber, stiften die Dichter come in Andenken, Ciò che resta però, lo fondano i poeti  –, concetto ripreso anche da Foscolo nella sua poetica romantica, dunque in Cittadella: poeta quale novello vate che in quanto tale può parlare di verità, così in questa raccolta.

Una doverosa parola sulla bella poesia che dà il titolo alla raccolta, Generazioni:

“Generazioni

Trepido un raggio

Si posa a colorare

le spoglie dei morti

che abitano

ogni centimetro

di terra e la vita

risorge

con la forza

di mille generazioni.”

Ancora una volta risuona lontana l’eco dei versi di Hölderlin come nella lirica Die Entschlafenen, Gli assopiti, e non solo. Il romantico Hölderlin riconosce il debito dei viventi ai morti che li hanno preceduti quali radici imperiture dell’uomo. La vita, dice Cittadella da un’angolazione meno eroica – il raggio di sole è trepido, ma non meno efficace nel contesto -, prende forza da tutte le generazioni trascorse, vissute dai morti che abitano la terra in tutta la sua estensione e sulle cui spoglie splende comunque un raggio di sole, un raggio che le illumina nella speranza di dare vita alla loro memoria nei viventi. Sono i morti che fanno risorgere più forte la vita, questo in un ricordo che si fa vivo nella storia, nella cultura, nella pietas suscitata dagli affetti dell’uomo. Splendida poesia, importante messaggio per tutti, per i giovani stessi contemplati implicitamente nel concetto relativo alle generazioni, giovani che tanto distanti sono dalla morte, ma che rappresentano gli uomini che diventeranno trascorsi in una catena che deve essere indissolubile tra morti e vivi, fatta di vita della memoria, non solo del presente e del futuro, questo per il bene dell’umanità, come secondo il testo lirico di Cittadella.

Il discorso sulla poesia di Cittadella dovrebbe andare molto oltre l’ambito di una recensione, ma qui si deve interrompere onde lasciare lo spazio all’analisi almeno di una ulteriore lirica, di cui fra poco.

Dapprima ancora una breve parola sullo stile semplice del poeta Alex Cittadella in questa silloge, che rifugge da ogni senso aulico o meno che mai pretenzioso. La forma, in cui si strutturano le settanta liriche, è quella dei versi brevi e liberi, privi di rima. L’interpunzione è data da punti, virgole, qualche raro punto di domanda che rappresenta lo stupore dell’uomo rispetto alla sua misteriosa condizione esistenziale. Rilevante è l’uso del punto a chiusura delle composizioni quale baluardo contro possibili dispersioni e dissoluzioni del significato espresso in ciascuna di esse, come tentativo di creare uno spazio semantico di sicurezza nella spazialmente infinita estensione della mente, di fornire un mappatura ideale in cui salvaguardare l’identità di ogni singola intuizione.

Veniamo ora, come annunciato, all’analisi semantica di una sola lirica, Nostalgia dell’abisso.

Testo dellalirica Nostalgia dell’abisso (87-88):

“Nostalgia dell’abisso

Mi sono chinato

a raccogliere i sogni

mentre la notte si dissolveva

fra riflessi di luce

e foglie di tè dal sapore

di porti orientali.

Ho navigato oltre

i confini del cielo

su di un veliero

ammaestrato di nuvole

e al risveglio

avevo tra le mani

il sapore burrascoso del mare,

sulla pelle le pieghe saline

di corde trattenute

con troppa foga

contro il destino,

nei capelli il rinfrangersi perpetuo

e inarrestabile dei pensieri.

Ci saranno attracchi sicuri

e case inondate di luce,

donne dalla pelle di cera

e sorrisi avvolti in volti

dai risvolti consueti.

Ma il mio animo

imbizzarrito e inquieto

cercherà ancora l’inarrestabile

nostalgia dell’abisso.”

Si tratta di una lirica stupenda in cui l’anima del poeta trova profonda espressione. Il perno concettuale ed emozionale del testo sta nel veliero ammaestrato di nuvole, ossia con l’albero maestro fatto di nuvole o che ha le nuvole come punto di forza e di resistenza della nave per l’orientamento in un cielo dove non vi sono punti di riferimento tangibili, ossia nei reami dello spirito, della fantasia, dell’immaginazione creativa. Il termine “ammaestrato” significa anche altro: significa che i maestri del poeta, coloro che gli hanno insegnato qualcosa, non sono la concretezza, la tangibilità delle cose, ma ciò che non è materiale, ossia il pensiero e le emozioni, di questo consta il meraviglioso viaggio oltre i cieli di Cittadella. Il poeta, quando la notte svanisce verso le prime luci del mattino si desta e si piega a raccogliere i sogni, il chinarsi indica il rispetto del poeta nei confronti del frutto del suo viaggio notturno oltre i confini del cielo – come Ulisse voleva andare oltre i confini della Terra e per questo ha abbandonato la tranquilla vita degli affetti familiari. Si china per raccoglierli, per non lasciare che svaniscano con la notte stessa, tanto preziosi essi sono e di questo viaggio porta sulle mani le rughe dovute al sale del metaforico mare e alle corde che ha dovuto tirare con forza per governare lo speciale veliero perché non si andasse a sfracellare contro gli scogli del destino che sempre ci sono sul cammino dell’uomo, mentre nei capelli ha avuto la voce perpetua dello sconfinato mare celeste – o Assoluto, ma anche Abisso come più sopra nei concetti abituali della ricerca poetica di Cittadella. Certo, di fronte a tale pericoloso navigare stanno baie sicure per l’ormeggio, la sosta, e case piene di luce – inondate comunque anch’esse sebbene di luce, come se persino la luce non possa che rischiare di sommergere l’uomo o limitarne ossimoricamente la vista –, anche donne che attendono in quiete. Molto interessante è la descrizione di tali donne nel contesto dei sogni più avventurosi. La loro pelle è di cera, come fossero figure di cera e non esseri viventi. I loro sorrisi sembrano avvolti nei loro volti dai risvolti del consueto, del solito, quasi anche i sorrisi non fossero che vivi in sedicesimo – l’insistenza sul volgere e riavvolgere sui volti, essi stessi per definizione prodotto dell’avvolgere, associano, assieme al concetto del consueto e della nostalgia per l’abisso, l’avvolgimento nel sudario, quasi questa pace che tali donne offrono corrisponda alla stasi della non vita per il poeta che rifugge da essa e da chi la offre come modo di non pensare, di non sentire il mormorio del mare grosso dei pensieri, di non sentire l’attrazione del viaggio pericoloso verso l’ignoto nella notte, verso l’insondato. Quasi il consueto sia per il poeta un po’ come un volto della morte del pensiero, dell’indagine sulla vita, in una vita nel chiuso di un orizzonte piccino.   Un’immagine sinistra questa di tali donne come di cera e dispensatrici di quiete, una stasi che non è gradita al poeta il cui spirito non vuole riposare, attratto dalla nostalgia verso le profondità dell’oscuro in cui esplorare per trovare la verità della sua umanità, della sua essenza umana, del senso della vita. Di nuovo si presenta l’associazione con Ulisse e il suo desiderio di ascoltare il richiamo dell’abisso, del fascino dell’ignoto: il poeta si può fermare nelle case di luce protette nella baia con donne che dispensino pace nella stasi, nel consueto, nel già noto, lontano dal rischio che comporta l’esplorazione di ciò che non si conosce, dell’insolito, quasi in un sonno che dia l’oblio dall’inquietudine esistenziale più creativa, ma sente comunque inarrestabile il richiamo dei suoi pensieri, per esplorare i misteri dell’abisso da cui sorgono e non restare prigioniero del piccolo spazio e vivere così quasi già da morto. Ribadendo: come l’allusione ai volti di cera e ai citati avvolgimenti lasciano emergere.

Si tratta per l’uomo di Cittadella di scegliere tra una vita tranquilla, senza turbamenti soverchi, in un porto sicuro perché privo ormai di qualsiasi segreto, privo per questo della spinta ad approfondire la vita, e un’esistenza invece capace di sentire e anche seguire ignoti richiami provenienti da abissi spirituali che reclamano ascolto da parte del poeta, l’uomo più adatto a entrare in contatto con essi, a instaurare coraggiosamente un rapporto creativo con il profondo per quanto ciò possa essere inquietante per i motivi accennati più sopra – gli abissi sono oscuri e ci si può perdere, nonché vi si può cadere dentro senza ritorno, come in un labirinto in cui non sia più possibile trovare la via di uscita. Una nostalgia verso l’abisso malgrado il rischio che esso comporta, soprattutto perché, osando il rischio, nell’abisso si possono trovare tesori preziosi per lo spirito, questo secondo l’audacia dell’esploratore-poeta, sembra dire Alex Cittadella nella sua bellissima lirica e nell’intera silloge.

Rita Mascialino

Rita Mascialino, Marino Salvador e la Pop Art rivisitata nell’attualità

di Redazione 1

Marino Salvador (Udine 1958) è artista poliedrico, spazia dalla pittura alla scultura, alla postproduzione fotografica, alla grafica. È anche scrittore di racconti di viaggio, molto piacevoli, fra cui Il segreto della Valle della Luna e Pentecoste a Berlino (Amazon Poland Wroclaw), anche di saggi. Il suo corposo Catalogo, La vita a colori (Amazon), è arricchito di molte recensioni redatte da importanti critici. Conta al suo attivo numerosissime Mostre in tutto il mondo e Premi. Tra i suoi riconoscimenti vi è l’inserimento nell’Archivio Storico Universale delle Belle Arti Centro Accademico Maison d’Art di Padova, Sezione Arte Contemporanea. È artista esclusivo del Premio Franz Kafka Italia ®. A Villa Manin di Passariano è stato nominato Cavaliere di Malta del Sovrano Ordine di San Giovanni di Gerusalemme. 

Un contrassegno importante dell’arte di Marino Salvador è, tra l’altro, l’unione creata tra varie arti, in special modo da un lato tra la fotografia d’arte con le sue postproduzioni che  aprono grande spazio alla creatività e dall’altro il cinema e la letteratura, come ad esempio la sua elaborazione fotografica di alcuni fotogrammi del film muto Metropolis di Fritz Lang in una sua personale interpretazione, molto interessante dal punto di vista artistico, culturale.  

Venendo alle sue serigrafie create nella scia della Pop Art e dedicate a personaggi celebri sta anche la postproduzione dell’immagine fotografica di Marilyn Monroe resa celebre da Andy Warhol (Pittsburgh 1928-New York1987) e sulla quale ci soffermiamo in particolare – le serigrafie di Salvador riguardano anche altri personaggi famosi, tra gli altri Albert Einstein e Salvador Dalí.  Non si tratta di una imitazione della Pop Art che, consona all’epoca in cui sorse, sarebbe anacronistica oggi, in un tempo che sta abbandonando del tutto il consumismo come si era presentato negli anni Sessanta, quando la società era in pieno boom economico. La ripresa della Pop Art da parte di Marino Salvador propone e realizza un superamento dell’ottica consumistica per cose e persone in un approfondimento culturale non da poco, adatto alla necessità di costruire valori diversi, ciò che ne fa un indicatore del cammino da intraprendere per un uomo nuovo, portato alla riflessione su se stesso e sugli altri e non più proiettato precipuamente sulla superficie della vita. In particolare, attraverso la postproduzione dell’immagine della Monroe, Salvador ha inserito non solo l’attrice in un’angolazione diversa da quella in cui è stata per così dire rinchiusa in passato, ma ha dato un segnale nuovo di rivalutazione della donna in generale e dell’uomo stesso – che la donna sia sempre oggetto specialmente del consumo non fa onore alla donna, ma implicitamente neanche all’uomo, il principale consumatore della stessa in tutti i tempi. In Salvador non si tratta di una presentazione della donna che crede di poter esaurire il suo ritratto psicologico con la tradizionale esaltazione della sua funzione di madre, pur essenziale per l’identità della stessa,  come è da sempre avvenuto nel prosieguo delle epoche senza che ciò abbia portato a reali mutamenti di prospettiva sul femminile, bensì si tratta del tentativo di avvicinare la donna al di là di ogni pregiudizio e luogo comune, al di là della maternità stessa, non per sconfessare tale realtà importante, ma per aprire il sipario anche e soprattutto su un altro scenario, quello personale della donna libra da strumentalizzazioni. Così il ritratto della Monroe in Salvador non fa emergere la stessa come oggetto di consumo, ma neanche la chiude in una eventuale esaltazione della dolcezza, qualità da sempre ritenuta indispensabile e anche pretesa nell’ambio dello strumentario femminile, bensì la avvicina come persona dai tratti psicofisici che nel contesto della società attuale emergono come fossero nuovi.  Diversamente come accennato, la Monroe di Andy Warhol – e con essa più estesamente la donna in generale per quanto inaccettabile ciò possa apparire – ha il volto clownesco che il grande e straordinario artista le ha dato contraffacendo la sua immagine attraverso l’uso di colori sgargianti e rimarcando con linee pesanti i tratti del volto come occhi e bocca, così da profanare l’identità dell’attrice – e della donna – e accomunarla ad un oggetto di consumo fatto in serie, come un campione senza valore, usa e getta.  La Monroe di Marino Salvador, pur partendo dalla medesima fotografia che ha funto da base a Warhol e anche riproducendo l’immagine serialmente, si manifesta in un ritratto originale, nel quale ha acquistato o riacquistato un’anima, di conseguenza anche la  serialità diffonde valori per la memoria, non disvalori. Il volto non è esposto in primo piano, quasi in un nuovo pudore relativo alla bellezza stessa da non  esibire per il ludibrio delle folle per così dire, bensì è in parte nascosto secondo prospettive e chiaroscuri che conferiscono profondità e dinamicità, ossia il volto non si esaurisce nella più piatta e statica immagine verniciata a colori come in Warhol, che della Monroe ha enfatizzato la superficie come sessuale icona di massa, anche alla stregua di una lattina di Coca Cola. Gli occhi dell’attrice nelle serigrafie di Salvador mostrano un’espressione pensante portata da uno sguardo non vuoto, ma che mostra la presenza di una personalità dietro la bellezza o parallelamente ad essa, una personalità non aliena da tristezza e perplessità per la propria sorte stretta negli ingranaggi del consumo più spietato. Anche la bocca nella riproduzione di Salvador risulta  composta in una forma che esprime controllo e dignità. I colori stessi non sono stesi impietosamente sui tratti come a cancellarli piuttosto che a rispettarli, ma lasciano integro il volto e schermano l’immagine quasi proteggendola dagli attacchi esterni, come tali colori fossero una estetica barriera – fornita dall’arte – contro il male del mondo. Una Monroe come la vede Salvador, un artista di oggi proiettato nel futuro, interessato alla verità interiore, spinto a indagare la collocazione esistenziale dell’uomo, specificamente di una donna che, famosa come oggetto,  diventa nelle sue mani soggetto umano a tutti gli effetti e al di là di qualsiasi finalità di consumo materiale. 

Marino Salvador, nelle sue serigrafie dedicate alla Monroe in seno alla sua arte, ha dato dunque continuità alla Pop Art non in senso epigonale, ma in una evoluzione che superi lo stereotipo della donna oggetto di consumo e che dia spazio all’esigenza di approfondimento della natura della donna come essere umano che debba essere conosciuto e presentato nella sua verità, questo in un’epoca di confusione dei valori, ma anche perciò di grande potenziale fermento ideale per costruire una nuova umanità, che possa vivere in una configurazione della sua identità dove l’ottica di consumo non sia più in primo piano, questo come comunica l’arte di Salvador. 

                                                           Rita Mascialino                                                           

 

Rita Mascialino, “ 'Come il fondo del mare', racconti di Alberta Vidal"

 

Alberta Vidal (Palmanova UD 1956) vive a Udine. Docente nella Scuola Primaria, è scrittrice di racconti e poetessa insignita di prestigiosi riconoscimenti, nonché inserita in diverse antologie poetiche. Ha partecipato dal 2014 al 2019 ai lavori del Gruppo Femminile di Scrittura “Anna Achmatova con riunioni a Udine e con pubblicazione collettiva del libro Le eroine del mito (Edizioni Kappavu). Nel 2020 ha pubblicato con Campanotto Editore la raccolta di racconti Come il fondo del mare, di cui qui presentiamo alcune tematiche importanti contenute soprattutto nella prima.

Dal volume di racconti Come il fondo del mare (Pasian di Prato UD: Campanotto Editore: “Quelle della 27”: 13-101)

18-19

“(…) Nessuna di noi può fare progetti e sappiamo che sarà diverso da come lo pensiamo adesso, il futuro che ci attende, sarà più duro. Ma si è aperto uno spazio per l’immaginazione. Fuori era mancato il tempo per immaginare, si deve immaginare nei tempi compressi tra il supermercato e il parcheggio, e la chiamano libertà. In molti modi ti possono togliere la libertà, senza tempo non si è liberi e neanche senza soldi si è liberi. Rinchiuse dentro una cella non lo siamo ma forse nemmeno quelle che hanno tutto, che possono viaggiare e vestir bene, andare al cinema e a teatro quando vogliono,sono più libere di noi, la libertà, per quel che ho potuto intravedere in certi mo menti di grazia, mi pare sia uno stato interiore (…) Il carcere è il luogo in cui io diventa noi, per un processo spontaneo e irreversibile di ampliamento, per la ricerca dell’orizzonte così insita in noi quando siamo costrette in un luogo chiuso, sorvegliate a vista. Noi cinque, qui dentro, abbiamo trovato il modo di andare d’accordo e ci aiutiamo a vicenda, non siamo mai sole come invece fuori eravamo. Per questo a volte mi vien da pensare che quelle libere siamo noi. Abbiamo tempo, tutto il tempo che vogliamo per disegnare, leggere, scrivere e anche per fare quelle cose che nessuna fa più e sono così rilassanti, i ricami, i lavori a maglia, l’uncinetto. Abbiamo i muri della cella decorati di disegni di animali che fa Lara, una tigre tra le felci della foresta occhieggia sulla parete tra il letto di Luisa e il mio, di fronte alla finestra un cammello procede solenne tra dune e cactus; non mancano mai sul nostro tavolino squallido di legno scrostato le stoffe colorate e belle, uscite di cesti di Luisa, canestri di giunco sparsi in giro per la cella e strapieni di stoffe, lane e roba per cucito. Ritaglia, scampoli, nastro. Paccottaglia e roba inutile, che diventa utile quando decidi di farci qualcosa. Le scatole nelle mani di Lara sono scatole da scarpe decorate con ritagli di riviste come pure i portapenne, rotoli di carta igienica riciclati e divenuti robusti per via degli strati colla e carta da giornale appiccicati sopra. Abbiamo tempo per leggere i libri lunghi come il “Conte di Montecristo” che sta leggendo Anita, lei che non aveva mai letto altro che romanzetti rosa adesso si sprofonda in altri luoghi e in altri tempi dove trova risposte al senso di smarrimento che tanto a lungo l’aveva accompagnata, trova riflessioni sui grandi temi dell’ingiustizia e della vendetta, del tempo che ci vuole per passare da questa al perdono (…)”

La raccolta si suddivide in due parti: la prima è dedicata al racconto lungo Quelle della 27 a sua volta suddiviso in diversi capitoli riguardanti diverse detenute nella cella 27 e di cui l’ultimo capitolo dà il titolo al volume, parte ambientata nella sezione femminile del carcere sito, secondo l’informazione che dà esplicitamente l’Autrice, nell’isola della Giudecca, Venezia; la seconda dal titolo Racconti è dedicata a personaggi vari cui sono riferite le singole vicende.

I temi presentati nei racconti sono numerosi e tutti rilevanti, impossibile farne una trattazione sufficiente in una recensione per dare almeno un’idea della ricchezza di pensiero contenuta in questa raccolta, per cui ne sono stati scelti solo alcuni che ne sono un po’ un emblema.

Il racconto lungo Quelle della 27 non è tuttavia visto solo come esperienza femminile della detenzione, bensì si colloca in una prospettiva diegetica più ampia, relativa alla più generale condizione della donna tout court, alla sua personalità, come andiamo a vedere per qualche punto chiave in questa presentazione.

Al centro del racconto sta la riflessione sul tempo che nel carcere si dilata al punto che le donne ivi detenute si sentono addirittura più libere di quanto fossero quanto vivevano fuori, nella normale vita cosiddetta libera.  Secondo l’Autrice, la libertà di cui gode la donna nella normale vita civile non è proprio tale perché essa, oltre al lavoro, è oberata di impegni di famiglia e responsabilità che gravano soprattutto o soltanto su di essa, magari anche in povertà o scarsezza di mezzi. Allora il carcere diviene nell’ottica di Alberta Vidal come un luogo ideale per la donna che – in uno straordinario ossimoro – può vivere più liberamente la sua personalità, ossia può conoscersi più profondamente, un luogo dove può anche farsi una cultura e riflettere sui grandi temi della vita, sull’ingiustizia e la vendetta, anche sul perdono, scambiandosi opinioni con le altre compagne di sventura o può esprimere la sua creatività in preziose attività trascorse: ricami, lavori a maglia, a uncinetto, disegni, pittura, scrittura. Contrariamente a quanto si può pensare vedendo certi film sul carcere, quello della Giudecca sembra essere, almeno nella rappresentazione apparentemente contro corrente che ne fa Alberta Vidal un luogo poco meno che idilliaco, pur nella segregazione rispetto alla vita sociale esterna, un luogo dove la solidarietà femminile può svilupparsi fino a diventare anche amicizia. Le stoffe colorate, i ritagli di tessuti che in genere si buttano via come inutilizzabili scarti, gli scampoli che costano poco sono il materiale che la realtà del momento mette a disposizione della donna carcerata in questa sezione ed essa ne fa meraviglie, capace di trarre vantaggio dal negativo che la sua esistenza le ha posto come inciampo nel suo da sempre faticoso procedere. Riflettendo stimolati dal bel libro della Vidal, i ritagli, gli scampoli, le cose non importanti, ciò che resta di quanto è appannaggio di altri più fortunati è anche quanto, almeno nel lunghissimo passato, è stato destinato alla donna appartenente alla massa, non all’aristocrazia o al ceto ricco, rimasugli dunque di cui tuttavia la donna, con la sua fantasia e la buona disposizione del suo cuore ha fatto da sempre tesoro per quanto ha potuto senza perdere la sua ottica positiva verso la vita.

Importante è l’aspetto sociale che interessa diverse carcerate. Accanto a questo tema variamente elaborato dall’Autrice, emerge un concetto molto interessante, sul quale non si può che concordare in pieno. Vi sono carcerate che sono state trascurate dalle madri – dai padri è cosa considerata quasi normale nella società di taglio maschilista – impegnate attivamente e per altro positivamente nel sociale, nella lotta contro le ingiustizie. L’Autrice, pur anch’essa interessata al sociale, denuncia con chiarezza come il sociale non debba togliere tempo ed energie alla famiglia, all’educazione dei figli, questo soprattutto da parte delle madri, la cui responsabilità nella formazione della prole viene implicitamente elevata a perno della qualità della società costituita dalle generazioni future.

Emerge nelle varie storie di cui si compone il lungo racconto e nel libro in generale quanto sia difficile per la donna mantenere una buona relazione con il partner, per un motivo o per l’altro essa viene abbandonata e magari ripresa a piacimento dall’uomo che in questi frangenti per così dire cade sempre in piedi e che nei racconti, non di rado, è per questo figura che appare marginale, ciò da cui si desume come l’attrice importante della vita sia ancora e sempre la donna in un modo o in un altro sfruttata. Alle storie narrate nel libro di Alberta Vidal è implicito appunto un insegnamento importante per la donna: forse è tempo per essa di non dipendere più così massicciamente dall’affetto di un uomo, dalla sua capacità o incapacità di avere sentimenti, di essere fedele. Forse è ormai il momento che qualcosa di importante muti nella personalità e nella visione del mondo della donna, sembra dire la Vidal, ossia che essa raggiunga ciò che non ha ancora raggiunto: una maggiore autonomia nella gestione di se stessa nella società.

Interessante libro, quello di Alberta Vidal, dallo stile narrativo volutamente semplice e scorrevole fino a coincidere con il quotidiano, capace di calarsi nel reale della vita, senza edulcorazioni, senza pretese di grandezza, appunto con la semplicità che contraddistingue l’esistenza di personaggi, donne in particolare, ma anche uomini, appartenenti alla grande massa di umani costretti a vivere nel piccolo raggio di anonime esistenze. L’ultimo sottocapitolo del racconto cui è stato accennato in questa recensione ribadisce come il carcere abbia insegnato molto alle donne ivi recluse e come la speranza in un futuro migliore non venga mai meno, per quanta sofferenza sia stata introiettata, ossia come la vita abbia comunque il sopravvento sul dolore.

Prima di concludere, una parola ancora sul titolo di tale sottocapitolo che dà come anticipato il titolo stesso alla raccolta: Come il fondo del mare. Si tratta di una suggestiva immagine evocativa di una molto misteriosa e inquietante oscurità a copertura della ricchezza di arcaici depositi minerari e metallici, per estrarre i quali occorre appunto scendere coraggiosamente nelle profondità più distanti dalla superficie, discesa nel fondo marino che è metafora molto calzante per chi voglia scandagliare la personalità dell’essere umano, ciò che questo libro di Alberta Vidal si propone di attuare, discesa tuttavia che come ogni nuova esplorazione pretende audacia, ampiamente ripagata visti i sedimenti che i milioni e i miliardi di anni hanno accumulato nel fondo del mare – ancora sul piano metaforico: nel profondo della storia e sconvolgente preistoria della natura dell’uomo.

                                                                                                                                              

                                                                        Rita Mascialino